La nueva web, desarrollada por Beñat Bustamante en colaboración con COdeCO, está realizada en WordPress, con el plugin The Cart Press. Todo ello ha permitido que la búsqueda se facilite aún más, si cabe, ya que en todas las páginas aparece un buscador por medio del cual se pueden localizar cómics simplemente conociendo algún pequeño dato de los mismos. Por otra parte, aparecen tres grupos de búsqueda: orden alfabético, autores y editoriales.

Por otra parte, las páginas son ahora más interactivas, ya que cada colección tiene un apartado en el que los lectores pueden comentar sus opiniones acerca de la misma.

Además, coincidiendo con este cambio, tebeos.org ha inaugurado sus páginas en Facebook, Twitter y Google +, con un gran éxito ya que, en el caso de Facebook, en los dos primeros días contaban ya con cerca de 150 seguidores.

Tebeos.org presenta también como novedad un apartado de ofertas, en el que, para empezar, recogen una serie de ventajas para todos los pedidos realizados hasta finales del mes de marzo.

Uderzo.

Y no cabe duda de que lo está logrando. Porque en esto se da una terrible paradoja. Y es que miles y miles de lectores, a pesar de estar convencidos de que, desde que falta Goscinny, cada nueva obra es peor que la anterior, siguen comprando, por una especie de nostalgia, los engendros que Uderzo perpetra.

La última obra, “El cielo se nos cae encima” no se sostiene por ninguna parte. Desde el principio hasta el final no es más que una sarta de despropósitos guionísticos que a buen seguro habrán hecho que Goscinny se revuelva en su tumba. Uderzo sigue siendo un buen dibujante, aunque hay alguna página que, con la disculpa de utilizar grandes escenarios, está mucho menos trabajada. Pero Uderzo no tiene gracia. No hay un gag en toda la obra. Intenta cubrir sus carencias con guiños absurdos hacia Walt Disney (el bueno) y el manga (los malos). Pero cualquier obra de Walt Disney o cualquier manga de mediana calidad le darían cien vueltas a su última obra.

Cada vez entiendo más a Hergé, que dejó bien claro en su testamento que nadie podría seguir con Tintín. Es una pena que Goscinny no hiciese lo mismo, porque los millones de seguidores que su obra tiene en todo el mundo nos estamos quedando con un sabor de boca muy amargo. Por suerte, siempre podemos volver a leer las obras que escribió Goscinny que, además, tuvieron la suerte de contar con excelentes traductores al español, como el inefable Jaume Perich, que supieron conservar la gracia original del maestro.

La serie más antigua es la denominada “Pelayos”, 86 ejemplares editados por la Comunión Tradicionalista en 1936, en los inicios de la Guerra Civil, y que, mas allá de su carácter doctrinario posee un gran valor documental. Por el contrario, la más reciente del lote es “El Duende”, serie de acción y terror compuesta por 60 tebeos y editada por Maga en 1961.

Entre ambas fechas, una amplia muestra sobre una época en la que proliferaron tanto editoriales (Maga, Valenciana, Ferma, Toray, Saturno…) como héroes (Búfalo Bill, Bill Cody, El Caballero del Rey, El Caballero Fantasma, El Capitán Coraje, Los Exloradores del Universo, Flecha Negra…) y dibujantes que forman parte de la historia del tebeo en España (José y Leopoldo Ortiz, Miguel Quesada, Manuel Gago, Guillermo Boixcar, Ferrando…).

Héroes épicos, contemporáneos y futuristas protagonizan historias de capa y espada, de indios y vaqueros, de romanos, de ciencia ficción, de deportes, de la selva, cuentos de hadas e incluso relatos con ciertos tintes sensuales (“Pantera Rubia”, una fijación para la censura de finales de los 40), que llenaron muchos ratos de ocio de los jóvenes de la época.

En la exposición se muestran algunos ejemplares considerados como ejemplares únicos, de gran valor documental. Es el caso de los 10 números de “El Capitán Sol”, serie editada en 1948 por Grafídea, y la única colección completa conocida de la misma; “La Daga Roja”, de la misma editorial, tan sólo dos ejemplares de una serie de 1947, considerada como un mito del cómic español; o “Alberto España”, editado por Valenciana en 1944, una de las más raras y solicitadas por los coleccionistas.

Otras joyas que forman ya parte de los fondos de Artium son la serie de “Bufalo Bill”, editada por Ferma y considerada como la más importante creación española sobre el “western” y la única colección completa que se conoce; “Los Exloradores del Universo”, serie de gran calidad grafica y estilística; o “Kosman”, una colección casi legendaria por su rareza y la calidad de su edición.

Junto con esta colección de cómics históricos, Artium dispone de una incipiente selección de tebeos contemporáneos, alrededor de 120 ejemplares en la actualidad, que pueden ser consultados libremente en la Biblioteca del museo. Autores actuales como Moebius, Luis Durán y Raquel Alzate, Alberto Breccia, Craig Thomson, Yoshihiro Tatsumi, Ricardo y Nacho, junto con reediciones de históricos ya fallecidos como Will Eisner o Hugo Pratt se encuentran en las estanterías del Centro de Documentación.

El personaje y sus acompañantes
Tintín, tal como hoy lo conocemos, nace en 1929, si bien tuvo un antecedente en el personaje de Totor , un boy-scout creado por Hergé que ya anticipaba algunas facetas de lo que sería luego el joven reportero. Desde entonces, toneladas de tinta se han empleado en escribir sobre él y sus amigos de aventuras, hasta el punto de que existen hoy decenas de clubes de fans distribuidos por todo el mundo y expertos muy empapados en el tema, que se autodenominan “tintinólogos”.

Tampoco han faltado sesudos analistas que han acusado a este personaje de tinta china, con origen cercano al movimiento scout, de infinidad de faltas y delitos: desde ingenuidad infantiloide hasta puro totalitarismo. Con todo, el joven periodista del tupé rubio y su inseparable perro Milú, se han convertido en figuras nacionales, tanto belgas como francesas, amadas y veneradas por cientos de miles de seguidores en todo el mundo.

El universo de Tintín lo completan sus amigos y sus enemigos, sin los cuales perdería toda esencia. Su inseparable compañero el capitán Haddock (con su alcoholismo galopante y sus “tacos” incluidos), los policías gemelos Hernández y Fernández (al parecer, inspirados en el padre y el tío de Hergé, que eran gemelos y vestían de forma idéntica), la ahuyentadora cantante lírica Bianca Castafiore, el fiel mayordomo Néstor, el sorprendente profesor Tornasol, el pequeño gran amigo Tchang, Alcázar, Rastapopoulos, etc. etc.

Capítulo aparte merecería el personaje del perro-pensador, Milú, tantas veces salvador de la vida de su dueño, como travieso organizador de problemáticos y peligrosos líos. También la escenografía es pieza vital en estas aventuras, en las que la documentación histórica y ambiental parece tan concienzuda. Coches, motos, camiones, ropas, embarcaciones, materiales militares, arquitecturas, paisajes… Todo el atrezzo parece medido y calibrado dentro de su sencillez expresiva. Hergé se documentaba, para ello, con maquetas a escala y con apuntes tomados del natural, para una mayor fidelidad y un perfecto encaje de los personajes en sus escenarios.

El estilo gráfico
Ya hemos dicho que G. Remi creó un estilo propio dentro de la llamada línea clara, si bien, el mismo Remi reconoció ser un admirador del dibujante norteamericano Georges Mac Manus, al que se tiene por iniciador de este movimiento, de lo que se podría deducir su notable influencia en el creador de Tintín. Inicialmente las aventuras se editaron en blanco y negro, para pasar a las tintas de color más tarde. El amor por el detalle documental y ambiental, aun dentro de su simplicidad de líneas, caracteriza a este tipo de dibujo claro y expresivo, que está a caballo entre la línea humorística de caricatura y el cómic policiaco “serio”. Otra característica gráfica inherente al trazo firme de Hergé es su escaso interés por los claroscuros, mediatintas, sombreados, etc., renunciando así a volúmenes y estilos más grandilocuentes.

Las historias
Unidas al tirón que su dibujo limpio y detallista tiene, las historias son el otro eje atractivo de este cómic. Desde la fantasía y la ficción, siempre teñidas de una capa realista y creíble, hasta el humor sensato y vitalista que las compone, Hergé utiliza constantemente ganchos como el misterio y la intriga policíaca. Con ellos nos adentra por esos laberintos de aventuras exóticas y coloristas, siempre agradables de seguir, debido a su forma narrativa simple y a su sentido estético, didáctico y documental con que nos las va contando.

Los expertos “tintinólogos” dicen advertir un cambio destacado en la forma de narrar. Y lo sitúan exactamente entre los trabajos titulados “Los cigarros del faraón” y “El loto azul”. Achacan este modo distinto de contar a la influencia ejercida por un amigo chino de Remi, Tchang-Tchong-Jen, un joven estudiante de Bellas Artes en la Universidad de Lovaina. Tchang, además de lograr que Remi se documente e interese por las costumbres y cultura de China, dará nombre a un pequeño personaje, amigo de Tintín en las aventuras. También hará que Remi, a partir de entonces, se documente exhaustivamente sobre las culturas y estéticas de los otros países en los que van transcurriendo las siguientes andanzas del joven periodista.

El autor
Georges Remi (Bruselas, 1907-Lovaina, 1983). En 1921 entra en el movimiento scout y más tarde colabora en medios de prensa católicos, al principio no sólo como dibujante, sino como “chico para todo”. En la revista de los Boy-Scout empieza a firmar como Hergé, pseudónimo que no significa otra cosa que sus mismas iniciales, en francés, invertidas (erre y ge). De 1926 a 1930 dibuja el personaje Totor, una anticipación de lo que luego sería Tintín. El nacimiento oficial de este último es en 1929. Con el éxito de sus tres primeros álbumes, el personaje, su perro y sus incondicionales amigos comienzan, a lo largo de los años siguientes, una carrera ascendente de ediciones y nuevas aventuras. En 1950 crea, junto a varios de sus colaboradores, la firma Estudios Hergé. El éxito sobrepasa las fronteras de su país de origen para extenderse primero por Europa y después por todo el globo. En 1961 se lleva al cine su obra “El misterio del Toison de oro” y, posteriormente, “Tintín y las naranjas azules” (1964).

Ya en 1972, durante el primer congreso del Cómic en Nueva York , G. Remi recibe un premio y es homenajeado por los grandes dibujantes del cómic U.S.A. Comienza, de este modo, una larga lista de premios, distinciones y hasta monumentos para sus personajes.

G. Remi, autodidacta, como muchos otros grandes dibujantes, era también un inagotable realizador y creador publicitario, que hizo numerosos trabajos, como portadas de libros, anuncios, diseños, planos, etc., simultaneándolos con la creación de las aventuras de Tintín.

Hergé falleció en 1983, sin haber acabado “Tintín y el Arte Alfa”, pero dejó instrucciones muy concretas para que nadie continuara su trabajo y su personaje del joven Tintín. Por ello, la obra se publicó así, inacabada. Tal y como la había dejado el día de su muerte.

Un año antes, al cumplir Remi los 75, los astrónomos belgas ya habían decidido dar el nombre de Hergé a un planeta descubierto en 1953 por Silvain Arend, ubicado entre Marte y Júpiter.

Desde su aparición hasta el comienzo de la década de los 60, las aventuras de “El Guerrero del Antifaz” gozaron en toda España de un éxito inimaginable. Tras esa fecha continuó su divulgación, pero el interés general por ese tipo de publicaciones fue decayendo. En su propio tiempo, este personaje enmascarado tuvo imitadores, que no lograron el éxito de su modelo. Con posterioridad, otro beligerante incansable, “El Capitán Trueno” (1956), tomará algunos de sus rasgos, aunque también aportará un nuevo estilo personal algo menos grandioso y autoritario, unido a un tratamiento gráfico más acabado. Con todo, “El Guerrero del Antifaz” tuvo (y aún hoy lo conserva en parte) un público ferviente, devoto y fiel. Sus memorables hazañas marcaron una época bien definida en la historia del tebeo español. Han existido varias reediciones. Las tres primeras datan de 1972, 1981 y 1984 (extras).

El personaje
La vestimenta del Guerrero es la de un cruzado medieval, cubierto por su capa, bajo la cual hay un corto vestido de tipo sayal con una enorme cruz negra bordada en el pecho. Y debajo, aún, de ese vestido aparece, cubriéndole la mitad superior del cuerpo, una cota de malla que llega a taparle casi toda la cabeza, a excepción de la cara, y parece empalmar con el casco metálico que remata su testa. Esta indumentaria deja al aire, casi desde la altura de los muslos, unas atléticas piernas que le ayudarán en sus escaramuzas, saltos, persecuciones carreras… Cinto de cuero, puñal y espada, además de su inseparable antifaz negro, que le da nombre, completan un vestuario inamovible. Su comportamiento es el clásico del guerrero medieval que se mantiene fiel a los principios de jerarquía y a los valores de valentía y lealtad. Sus enemigos tradicionales: los moros.

El estilo gráfico
El trazo del Guerrero y de sus personajes es amplio y suelto, de formas abocetadas en ocasiones, pero con escaso primor por el detalle casi siempre. Según algunos analistas, esas formas inacabadas no fueron del todo gratas a muchas editoriales, debido a la sensación que desprendían, como de haber sido hechas con una prisa excesiva. Sin embargo, sí que fueron eficaces para un público juvenil que valoraba mucho el dinamismo de las figuras y la épica de unas aventuras más o menos históricas. Más que un estilo artístico minucioso y un rigor histórico verosímil, el público español de la posguerra buscaba la evasión de su realidad mediante aquellos dibujos de trazo suelto y desenfadado. El escaso juego del dibujante con las luces y sombras, con los contrastes posibles, contribuía a agrandar esa sensación de dibujo fácil que le valió no pocas críticas.

Las historias
El Guerrero del Antifaz es otra obra del comic medieval de capa y espada, cuyo estilo narrativo parece inspirarse remotamente en el de Val, el Príncipe Valiente, (1940) obra maestra de Harold R. Foster, aunque Gago, salvando las distancias, lo hace utilizando unas representaciones épicas más grandilocuentes, acercando las historias a un sentido más “hispánico” y dotándolas de un menor rigor histórico y de una estética mucho menos elaborada que la de Foster y su escuela posterior. Se señala, por parte de algunos ilustrados del cómic, que Gago se documentaba en la Reconquista española y lecturas históricas similares, para la elaboración de sus guiones. Por su parte, el propio autor reconoció haber partido, para la preparación de sus historias, de la novela de Rafael Pérez y Pérez, titulada “Los cien caballeros de Isabel la Católica” (1934).

En las aventuras del Guerrero había siempre arriesgadas luchas, osadas liberaciones de inocentes y batallas tumultuosas en las que los “malos” eran casi siempre los moros. Aun así, los estudiosos se dividen a la hora de tachar, o no, de racista este aspecto del Guerrero, debido al grado de dignidad y respeto militar otorgado a dicho enemigo por el dibujante. La utilización del “continuará” como elemento comercial y de intriga entre cuaderno y cuaderno, consigue forzar, muchas veces, el ritmo de las narraciones, creadas inicialmente en entregas periódicas.

Manuel Gago en 1953. Fotografía del álbum familiar, tomada de la web de su hijo, www.magaworld.net.

El autor
El creador del Guerrero del Antifaz fue Manuel Gago García (nacido en Valladolid, en 1925 y fallecido en 1980), hijo de un oficial militar de la República Española. En 1943, convaleciente en un hospital, crea el personaje y al año siguiente lo publica. En fechas posteriores, va creando otros varios héroes de papel, pero ninguno alcanza el éxito de público que logra su primer enmascarado. Precisamente, por ser Gago hijo de militar republicano encarcelado, se podrían haber esperado de su personaje algunos pequeños guiños contra el régimen político impuesto, aun dentro del escasísimo margen tolerado, como sucedía con algunos guiones de El Capitán Trueno, creados por el antifascista Víctor Mora. Pero con Gago parecía ocurrir todo lo contrario: los guiños, según interpretación de ciertos analistas, daban la sensación de ir más hacia los totalitarios que hacia los oprimidos. En cuanto a ese posible sesgo, no se ponen de acuerdo, tampoco, muchos de sus estudiosos y otros lo consideran aséptico y autocensurado.

Se considera, hoy, a Manuel Gago un maestro en su estilo, aunque también se ha dicho que era mucho más meritorio como guionista de sus propias historias que como dibujante de las mismas y que lo que realmente atraía de éstas era la dinámica narrativa y eficaz de la aventura, del relato en sí, y no de las formas gráficas utilizadas. No obstante, hay que reflejar también que, en unos pocos capítulos, intervinieron otros guionistas, como Pablo Gago y Pedro Quesada, además del propio Manuel Gago. Durante ochenta números de la serie, a partir del 421, hasta el 500, el dibujo pasa a ser realizado por Matías Alonso y el guión por Vicente Tortajada. Tras ellos, continúa otra vez al timón su creador, Manuel Gago, realizando guión y dibujos de los cuadernos posteriores.

Socialmente, el Capitán es un personaje con pretensiones de modelo justiciero para los campesinos (casi siempre incultos y sometidos, en el relato), al que acompañan un fiel y joven amigo y un gigante tragón, encargados, casi siempre, de poner las notas de humor a los relatos y de completar la valentía de su jefe en las luchas, fomentando el espíritu cohesionado del grupo. No faltan tampoco las sugerencias amorosas, muy edulcoradas, que encarna su posible pareja, la reina Sigrid, una mujer que unas veces es poco convencional para su época y que, en otras ocasiones, presenta visos tópicos y tradicionales.

Los seguidores de la aventura completa observarán una evolución de las historias en función de la censura o la libertad de acción con que fueran creadas. Desde los primeros capítulos, Trueno es un personaje repleto de espíritu imperialista, algo dogmático y muy respetuoso con las jerarquías, que presenta no pocas reacciones paternalistas, autoritarias y machistas. Ya muy hacia el final de la serie, aparecerá otro Capitán más actualizado a un contexto democrático y abierto, pero, al decir de muchos eruditos del cómic, mucho menos verosímil y creíble.

Aun así, Trueno hizo las delicias de varias generaciones de españoles que leyeron ávidamente y disfrutaron de sus dibujos en aquellos cuadernillos apaisados, verdaderos vehículos de evasión en un contexto vital tan difícil como una posguerra y una dictadura añadida.

El personaje y sus amigos
Se reparten los papeles entre la nobleza y valentía de Trueno, eje principal y protagonista de las aventuras, armado de su justiciera espada, la glotonería del fiel gigante Goliath, siempre dispuesto a fracturar los cráneos de los enemigos (por algo tiene el apodo de “cascanueces”), el arrojo del joven Crispín, autentico escudero de Trueno, y el espíritu amoroso, unas veces convencional, otras aventurero, de Sigrid, reina de Thule y amiga personal del Capitán, que en ocasiones se une al grupo y adopta ademanes guerreros, llegando en alguna ocasión a salvarle la vida a Trueno. Hay también otros personajes secundarios que aparecen y reaparecen en algunos capítulos, completando una composición muy variopinta.

El estilo gráfico
Al haber pasado por las manos de varios dibujantes, no se puede hablar de un único estilo gráfico, si bien se nota siempre un esfuerzo por imitar las líneas maestras de su creador inicial, Ambrós. Éste presenta un trazo seguro y limpio, con una dinámica muy ortodoxa en sus desarrollos, que centra el interés en los rostros y expresiones corporales de los personajes y, sobre todo, en los movimientos grupales. Sus composiciones más dinámicas son capaces de reflejar una notable fuerza y sentido del movimiento y son apoyadas por un amplio espacio dedicado a la onomatopeya gráfica (zass, boom, ploff, crackk…).

Esta atención a los cuerpos y rostros hace que los fondos exteriores se limiten a meras líneas de sugerencia y los interiores reflejen una cierta sobriedad. Algunos estudiosos del cómic atribuyen esto a una falta de documentación histórica y otros a la simple velocidad de trabajo y falta de tiempo del dibujante. Lo cierto es que esos fondos aportan escasa información a las historias.

Hay una correcta composición e indudable equilibrio dentro de ella. Con todo, la mayoría de los analistas atribuye el valor de estos dibujos a su notable sentido del movimiento, de la composición en los grupos y a su expresividad dinámica.

La rotulación es bastante redundante con las imágenes y en otras ocasiones pasa a sustituir demasiadas veces lo que deberían haber sido puras imágenes. Hay también algunas diferencias notables de calidad en los dibujos, atribuidas a los cambios de autor y a las prisas por editar nuevos capítulos, dado el considerable éxito que fueron teniendo los publicados.

Las historias y relatos
Los relatos de Trueno estaban pensados para un público tanto infantil como adulto, de ahí que sus anécdotas, aun con una fuerte carga de violencia, jamás traspasen los terrenos de moralidad y ortodoxia al uso en una dictadura. No hay que olvidar que comenzaron a aparecer en la España de 1956. Pero hay también pequeños toques humorísticos en las narraciones, de forma que se confrontan a situaciones demasiado dramáticas, creando contrapuntos. Normalmente estos gags corren a cargo del tragaldabas Goliath o del joven Crispín, secundados por característicos personajes bien de enemigos, o bien de campesinos, clase social sobre la que no pocas veces recaen las mofas.

El sentido épico y guerrero inicial, con el que arranca la serie, se transforma sobre 1964, cuando parece prevalecer un humor habilidoso y verbal en los personajes, más que la anterior violencia. Algunos de los golpes visuales cruentos pasan a ser efectos blandos, tales como bromas, caídas del caballo, mojaduras, manteos, etc., alejándose de las dramatizaciones excesivamente violentas.

Las numerosas veces en que la “novia” oficial de Trueno, Sigrid, es raptada por malvados y lujuriosos bandidos o por corruptos caciques sirven también de motivo principal a varias de las aventuras. Prevalece un sentido épico relativamente “medieval” en todo el tono de la narración.

Ambrós (a la izquierda) y Víctor Mora.

Los autores
La idea del personaje nace de los guiones de Víctor Mora (Barcelona, 1931), que utiliza también el seudónimo de Víctor Alcázar, y de los valorados dibujos de Miguel Ambrosio Zaragoza, (Albuisech, Valencia, 1913 / Valencia, 1992) quien firmaba sus trabajos como “Ambrós”. Poco después, ante el éxito del personaje, crece el trabajo y colabora en los guiones Ricardo Acedo (números 25 al 45). Otros guionistas colaboradores fueron Jordi Bayona y Cassarell. Sin embargo, la mayor porción en la tarea de los guiones ha sido siempre de Víctor Mora., dedicado también a la literatura y ganador de algunos premios en esta faceta.

En lo referente a los dibujantes, Beaumont ayudaba a Ambrós entintando los dibujos a pincel. Ángel Pardo sustituyó también a Ambrós, dibujando otra serie de números de la revista. Más tarde fueron sustituyendo a Ambrós y Pardo otros dibujantes como Buylla, Tomás Marco, Tinoco, el propio Beaumont, Martinez Osete, Francisco Fuentes, Úbeda, Grau, Díaz, Casamitjana, Carrión, Torregrosa, Briñol, etc., pero sólo se les permitió firmar sus dibujos y conservar el estilo propio a Ángel Pardo y a Fuentes. El resto estaba obligado a imitar el estilo originario del primer dibujante, Ambrós, incluida, en algunas ocasiones, su propia firma.

En etapas posteriores (años 80 y 90) desarrollan el personaje otros dibujantes, como Bernal, García, Blasco, Bermejo, Burns, Fonteriz, Nájera y Redondo. Son destacables las portadas que realizó Bernal para ediciones extraordinarias del personaje.

El personaje
Decía Hugo Pratt, su creador, que, de llevarlo al cine, sólo dos directores serían capaces de captar el alma de su Corto Maltés: uno era Spielberg y el otro Ridley Scott. Y para encarnarlo como actor, no lo tenía tan claro, aunque quizá Keith Carradine lo hubiera logrado, según Pratt. La sobriedad, el cosmopolitismo y un sentido ético algo sombrío, son características básicas de este personaje de tinta china que a tantos lectores apasiona.

Nacido el 17 de julio de 1887 en La Valeta (Malta), Corto es hijo de un marino británico y una gitana sevillana y pasa su infancia en Córdoba, donde se nutre de las culturas que esa ciudad funde. Sus aventuras más significativas comienzan cronológicamente en los principios del siglo XX y se extienden, situándose en varias décadas de ese siglo, por continentes varios y países muy diversos, entroncando la ficción con acontecimientos históricos reales y con personajes y momentos literarios también muy conocidos. Otra de las características innatas del maltés es su gran respeto por todas las culturas, algo que en muchos cómics de la misma época era más difícil de encontrar.

El estilo gráfico
El dibujo de Hugo Pratt es tan sobrio como el propio personaje del maltés. Con un trazo simplificado resume las formas de un modo escueto pero eficaz. Luego, resuelve el clima de misterio o aventura con grandes contrastes de mancha, jugando con la luz de enormes espacios claros y empapando de sugerencias los oscuros y negros. Muchas veces son pura y simple silueta. La síntesis de sus figuras y horizontes recuerda vagamente a los de las figuras y espacios del arte japonés. El color es utilizado también con suma delicadeza. En todas las viñetas hay un cuidado equilibrio de masas y encuadres. Y el trazo, a veces, parece salirse de la mera plumilla para buscar calidades de caña cortada en bisel, como los viejos maestros orientales. En más de una ocasión, Pratt declaró su admiración por Milton Caniff, por lo que no es raro encontrar también influencias suyas en su obra.

Las historias, los otros personajes
Las historias de Corto Maltés son un claroscuro conglomerado de relatos marineros, repletos de acción y razonable dinamismo, donde la sorpresa se alía con la reflexión y un cierto sentido ético, entendido al modo libertario. En ellos aparecen numerosos antihéroes y el personaje principal es, por ello, mucho más creíble y real que otros clásicos protagonistas de tebeo y cine.

Hay en las obras de Hugo Pratt cuantiosos guiños y conexiones directas con la literatura de aventuras y con personajes históricos reales, que hacen la narración amena y la dotan de visos realistas. Así, como ejemplo, podemos encontrarnos en las viñetas tipos tales como Jack London, Rasputín, Herman Hesse o Freud.

El autor
El padre del maltés, Hugo Pratt, nació cerca de Rímini (Italia), en 1927, aunque él se consideraba siempre veneciano por haber pasado en esta ciudad su infancia. Murió en Pully, próximo a Lausanne (Suiza), en agosto de 1995, victima de un cáncer intestinal.

Su vida transcurrió por Italia, Etiopia, Argentina, México, Londres, Brasil, Paris, etc., con diversos matrimonios y dedicaciones editoriales muy diversas. Realizó otros varios personajes de historieta. Sin embargo, su éxito más notable lo consiguió siempre con el de Corto Maltés, al que debe la mayor parte de su patrimonio personal. Pratt ha creado una autentica escuela mundial, tanto en la forma como en los contenidos de sus historias y aún hoy sigue influyendo y siendo imitado, según la opinión de los más prestigiosos eruditos y estudiosos del cómic internacional.