Desde su aparición hasta el comienzo de la década de los 60, las aventuras de “El Guerrero del Antifaz” gozaron en toda España de un éxito inimaginable. Tras esa fecha continuó su divulgación, pero el interés general por ese tipo de publicaciones fue decayendo. En su propio tiempo, este personaje enmascarado tuvo imitadores, que no lograron el éxito de su modelo. Con posterioridad, otro beligerante incansable, “El Capitán Trueno” (1956), tomará algunos de sus rasgos, aunque también aportará un nuevo estilo personal algo menos grandioso y autoritario, unido a un tratamiento gráfico más acabado. Con todo, “El Guerrero del Antifaz” tuvo (y aún hoy lo conserva en parte) un público ferviente, devoto y fiel. Sus memorables hazañas marcaron una época bien definida en la historia del tebeo español. Han existido varias reediciones. Las tres primeras datan de 1972, 1981 y 1984 (extras).

El personaje
La vestimenta del Guerrero es la de un cruzado medieval, cubierto por su capa, bajo la cual hay un corto vestido de tipo sayal con una enorme cruz negra bordada en el pecho. Y debajo, aún, de ese vestido aparece, cubriéndole la mitad superior del cuerpo, una cota de malla que llega a taparle casi toda la cabeza, a excepción de la cara, y parece empalmar con el casco metálico que remata su testa. Esta indumentaria deja al aire, casi desde la altura de los muslos, unas atléticas piernas que le ayudarán en sus escaramuzas, saltos, persecuciones carreras… Cinto de cuero, puñal y espada, además de su inseparable antifaz negro, que le da nombre, completan un vestuario inamovible. Su comportamiento es el clásico del guerrero medieval que se mantiene fiel a los principios de jerarquía y a los valores de valentía y lealtad. Sus enemigos tradicionales: los moros.

El estilo gráfico
El trazo del Guerrero y de sus personajes es amplio y suelto, de formas abocetadas en ocasiones, pero con escaso primor por el detalle casi siempre. Según algunos analistas, esas formas inacabadas no fueron del todo gratas a muchas editoriales, debido a la sensación que desprendían, como de haber sido hechas con una prisa excesiva. Sin embargo, sí que fueron eficaces para un público juvenil que valoraba mucho el dinamismo de las figuras y la épica de unas aventuras más o menos históricas. Más que un estilo artístico minucioso y un rigor histórico verosímil, el público español de la posguerra buscaba la evasión de su realidad mediante aquellos dibujos de trazo suelto y desenfadado. El escaso juego del dibujante con las luces y sombras, con los contrastes posibles, contribuía a agrandar esa sensación de dibujo fácil que le valió no pocas críticas.

Las historias
El Guerrero del Antifaz es otra obra del comic medieval de capa y espada, cuyo estilo narrativo parece inspirarse remotamente en el de Val, el Príncipe Valiente, (1940) obra maestra de Harold R. Foster, aunque Gago, salvando las distancias, lo hace utilizando unas representaciones épicas más grandilocuentes, acercando las historias a un sentido más “hispánico” y dotándolas de un menor rigor histórico y de una estética mucho menos elaborada que la de Foster y su escuela posterior. Se señala, por parte de algunos ilustrados del cómic, que Gago se documentaba en la Reconquista española y lecturas históricas similares, para la elaboración de sus guiones. Por su parte, el propio autor reconoció haber partido, para la preparación de sus historias, de la novela de Rafael Pérez y Pérez, titulada “Los cien caballeros de Isabel la Católica” (1934).

En las aventuras del Guerrero había siempre arriesgadas luchas, osadas liberaciones de inocentes y batallas tumultuosas en las que los “malos” eran casi siempre los moros. Aun así, los estudiosos se dividen a la hora de tachar, o no, de racista este aspecto del Guerrero, debido al grado de dignidad y respeto militar otorgado a dicho enemigo por el dibujante. La utilización del “continuará” como elemento comercial y de intriga entre cuaderno y cuaderno, consigue forzar, muchas veces, el ritmo de las narraciones, creadas inicialmente en entregas periódicas.

Manuel Gago en 1953. Fotografía del álbum familiar, tomada de la web de su hijo, www.magaworld.net.

El autor
El creador del Guerrero del Antifaz fue Manuel Gago García (nacido en Valladolid, en 1925 y fallecido en 1980), hijo de un oficial militar de la República Española. En 1943, convaleciente en un hospital, crea el personaje y al año siguiente lo publica. En fechas posteriores, va creando otros varios héroes de papel, pero ninguno alcanza el éxito de público que logra su primer enmascarado. Precisamente, por ser Gago hijo de militar republicano encarcelado, se podrían haber esperado de su personaje algunos pequeños guiños contra el régimen político impuesto, aun dentro del escasísimo margen tolerado, como sucedía con algunos guiones de El Capitán Trueno, creados por el antifascista Víctor Mora. Pero con Gago parecía ocurrir todo lo contrario: los guiños, según interpretación de ciertos analistas, daban la sensación de ir más hacia los totalitarios que hacia los oprimidos. En cuanto a ese posible sesgo, no se ponen de acuerdo, tampoco, muchos de sus estudiosos y otros lo consideran aséptico y autocensurado.

Se considera, hoy, a Manuel Gago un maestro en su estilo, aunque también se ha dicho que era mucho más meritorio como guionista de sus propias historias que como dibujante de las mismas y que lo que realmente atraía de éstas era la dinámica narrativa y eficaz de la aventura, del relato en sí, y no de las formas gráficas utilizadas. No obstante, hay que reflejar también que, en unos pocos capítulos, intervinieron otros guionistas, como Pablo Gago y Pedro Quesada, además del propio Manuel Gago. Durante ochenta números de la serie, a partir del 421, hasta el 500, el dibujo pasa a ser realizado por Matías Alonso y el guión por Vicente Tortajada. Tras ellos, continúa otra vez al timón su creador, Manuel Gago, realizando guión y dibujos de los cuadernos posteriores.

Socialmente, el Capitán es un personaje con pretensiones de modelo justiciero para los campesinos (casi siempre incultos y sometidos, en el relato), al que acompañan un fiel y joven amigo y un gigante tragón, encargados, casi siempre, de poner las notas de humor a los relatos y de completar la valentía de su jefe en las luchas, fomentando el espíritu cohesionado del grupo. No faltan tampoco las sugerencias amorosas, muy edulcoradas, que encarna su posible pareja, la reina Sigrid, una mujer que unas veces es poco convencional para su época y que, en otras ocasiones, presenta visos tópicos y tradicionales.

Los seguidores de la aventura completa observarán una evolución de las historias en función de la censura o la libertad de acción con que fueran creadas. Desde los primeros capítulos, Trueno es un personaje repleto de espíritu imperialista, algo dogmático y muy respetuoso con las jerarquías, que presenta no pocas reacciones paternalistas, autoritarias y machistas. Ya muy hacia el final de la serie, aparecerá otro Capitán más actualizado a un contexto democrático y abierto, pero, al decir de muchos eruditos del cómic, mucho menos verosímil y creíble.

Aun así, Trueno hizo las delicias de varias generaciones de españoles que leyeron ávidamente y disfrutaron de sus dibujos en aquellos cuadernillos apaisados, verdaderos vehículos de evasión en un contexto vital tan difícil como una posguerra y una dictadura añadida.

El personaje y sus amigos
Se reparten los papeles entre la nobleza y valentía de Trueno, eje principal y protagonista de las aventuras, armado de su justiciera espada, la glotonería del fiel gigante Goliath, siempre dispuesto a fracturar los cráneos de los enemigos (por algo tiene el apodo de “cascanueces”), el arrojo del joven Crispín, autentico escudero de Trueno, y el espíritu amoroso, unas veces convencional, otras aventurero, de Sigrid, reina de Thule y amiga personal del Capitán, que en ocasiones se une al grupo y adopta ademanes guerreros, llegando en alguna ocasión a salvarle la vida a Trueno. Hay también otros personajes secundarios que aparecen y reaparecen en algunos capítulos, completando una composición muy variopinta.

El estilo gráfico
Al haber pasado por las manos de varios dibujantes, no se puede hablar de un único estilo gráfico, si bien se nota siempre un esfuerzo por imitar las líneas maestras de su creador inicial, Ambrós. Éste presenta un trazo seguro y limpio, con una dinámica muy ortodoxa en sus desarrollos, que centra el interés en los rostros y expresiones corporales de los personajes y, sobre todo, en los movimientos grupales. Sus composiciones más dinámicas son capaces de reflejar una notable fuerza y sentido del movimiento y son apoyadas por un amplio espacio dedicado a la onomatopeya gráfica (zass, boom, ploff, crackk…).

Esta atención a los cuerpos y rostros hace que los fondos exteriores se limiten a meras líneas de sugerencia y los interiores reflejen una cierta sobriedad. Algunos estudiosos del cómic atribuyen esto a una falta de documentación histórica y otros a la simple velocidad de trabajo y falta de tiempo del dibujante. Lo cierto es que esos fondos aportan escasa información a las historias.

Hay una correcta composición e indudable equilibrio dentro de ella. Con todo, la mayoría de los analistas atribuye el valor de estos dibujos a su notable sentido del movimiento, de la composición en los grupos y a su expresividad dinámica.

La rotulación es bastante redundante con las imágenes y en otras ocasiones pasa a sustituir demasiadas veces lo que deberían haber sido puras imágenes. Hay también algunas diferencias notables de calidad en los dibujos, atribuidas a los cambios de autor y a las prisas por editar nuevos capítulos, dado el considerable éxito que fueron teniendo los publicados.

Las historias y relatos
Los relatos de Trueno estaban pensados para un público tanto infantil como adulto, de ahí que sus anécdotas, aun con una fuerte carga de violencia, jamás traspasen los terrenos de moralidad y ortodoxia al uso en una dictadura. No hay que olvidar que comenzaron a aparecer en la España de 1956. Pero hay también pequeños toques humorísticos en las narraciones, de forma que se confrontan a situaciones demasiado dramáticas, creando contrapuntos. Normalmente estos gags corren a cargo del tragaldabas Goliath o del joven Crispín, secundados por característicos personajes bien de enemigos, o bien de campesinos, clase social sobre la que no pocas veces recaen las mofas.

El sentido épico y guerrero inicial, con el que arranca la serie, se transforma sobre 1964, cuando parece prevalecer un humor habilidoso y verbal en los personajes, más que la anterior violencia. Algunos de los golpes visuales cruentos pasan a ser efectos blandos, tales como bromas, caídas del caballo, mojaduras, manteos, etc., alejándose de las dramatizaciones excesivamente violentas.

Las numerosas veces en que la “novia” oficial de Trueno, Sigrid, es raptada por malvados y lujuriosos bandidos o por corruptos caciques sirven también de motivo principal a varias de las aventuras. Prevalece un sentido épico relativamente “medieval” en todo el tono de la narración.

Ambrós (a la izquierda) y Víctor Mora.

Los autores
La idea del personaje nace de los guiones de Víctor Mora (Barcelona, 1931), que utiliza también el seudónimo de Víctor Alcázar, y de los valorados dibujos de Miguel Ambrosio Zaragoza, (Albuisech, Valencia, 1913 / Valencia, 1992) quien firmaba sus trabajos como “Ambrós”. Poco después, ante el éxito del personaje, crece el trabajo y colabora en los guiones Ricardo Acedo (números 25 al 45). Otros guionistas colaboradores fueron Jordi Bayona y Cassarell. Sin embargo, la mayor porción en la tarea de los guiones ha sido siempre de Víctor Mora., dedicado también a la literatura y ganador de algunos premios en esta faceta.

En lo referente a los dibujantes, Beaumont ayudaba a Ambrós entintando los dibujos a pincel. Ángel Pardo sustituyó también a Ambrós, dibujando otra serie de números de la revista. Más tarde fueron sustituyendo a Ambrós y Pardo otros dibujantes como Buylla, Tomás Marco, Tinoco, el propio Beaumont, Martinez Osete, Francisco Fuentes, Úbeda, Grau, Díaz, Casamitjana, Carrión, Torregrosa, Briñol, etc., pero sólo se les permitió firmar sus dibujos y conservar el estilo propio a Ángel Pardo y a Fuentes. El resto estaba obligado a imitar el estilo originario del primer dibujante, Ambrós, incluida, en algunas ocasiones, su propia firma.

En etapas posteriores (años 80 y 90) desarrollan el personaje otros dibujantes, como Bernal, García, Blasco, Bermejo, Burns, Fonteriz, Nájera y Redondo. Son destacables las portadas que realizó Bernal para ediciones extraordinarias del personaje.